"Encadenados"

"Encadenados" (1946) dirigida por Alfred Hitchcock.

Sin duda alguna se podría decir que es una de las mejores películas del maestro del suspense. Ya en América como director consagrado decidió hacer este film con el que consiguió el favor de la crítica. De los dos millones de presupuesto inicial, llegó a recaudar alrededor de ocho. Es una película que refleja a la perfección el estilo  "hitchcockiano"

Por un lado encontramos la famosa técnica del "Macguffin": se podría decir que es una especie de truco o de instrumento que parece ser entorno a lo que gira el film, sin embargo a lo largo del desarrollo de la narración nos damos cuenta de que no tiene tanta relevancia  como pensábamos, es una herramienta para que avance la trama.   En este caso el macguffin es el cianuro (no diré más para no revelar nada a los que no la hayan visto) ya que el verdadero motor de la historia es el amor entre los protagonistas. Hitchcock quería que en la película se hablase de la bomba atómica (un año antes de que saliese a la luz), para ello decidió visitar a uno de los investigadores más importantes de Norteamérica para obtener información. Este le comentó a director que no podía darle ninguna información porque podrían meterlo en la cárcel. Desde entonces y según dijo el propio Hitchcock el FBI le estuvo siguiendo durante tres meses por sus sospechosas preguntas.

La película es sobria, busca el realismo en los personajes, la humildad y sencillez. Emplea el suspense pero sin situaciones violentas o demasiado dramáticas. La fotografía es interesante: me quedo concretamente con la secuencia en la que desde un plano general desde fuera de un edificio se va acercando en travelling hacia el interior de este para llegar por fin a la mano de la protagonista que resguarda una llave (imagen) Sin duda alguna es muy significativo en el film y nos muestra el estilo de Hitchcock de ir de los más grande a lo más pequeño, de lo más lejos a lo más cerca.

El director de fotografía tuvo problemas con aquellos planos en los que Ingrid Bergman y Claude Rains compartían cuadro: él era demasiado bajo para ella. Para igualar la línea de los ojos en las conversaciones, el actor tenía que subirse a unas calzas. Además en los
planos generales panorámicos se tuvieron que crear unos falsos suelos que daban la sensación de ascensión para evitar que se notase la diferencia de altura entre ambos.

Como curiosidad decir que a Hitchcock se le reconoce fácilmente, tiene una aparición estelar.

En resumidas cuentas, es una película bastante moderna para su época, con una historia simple y bien llevada que sigue gustando a día de hoy. Bastante imprescindible para cualquier cinéfilo.

Primera plana

"Primera plana"(1974) escrita y dirigida por Billy Wilder

La verdad que antes de ver la película no tenía conocimiento de ella, a Willder se le conocen por otros clásicos como "Irma la dulce", "Testigo de cargo", "El crepúsculo de los dioses"....sin embargo "Primera plana" es un peliculón. De nuevo nos deja ver su gran humor, crítico y negro, en contra del periodismo.

Lo primero que hay que resaltar es que el guión parte de la adaptación de una obra de teatro. En los años cuarenta el director Howard Hawks ya la había llevado al cine con el título de "Luna nueva". El guión de Wilder presenta una diferencia: en su película el personaje de Hildy está protagonizado por Jack Lemmon, en la obra de Hawks era una mujer. El relato se centra en el periodismo, lo presenta como una profesión deshonesta llena de profesionales sin escrúpulos que se dejan llevar por el sensacionalismo. Se muestra a los periodistas como aves rapaces que luchan y compiten por obtener la información más relevante y de esta manera tener una exclusiva impactante. El director aprovecha también para mostrar la corrupción y los mecanismos mediáticos empleados por los gobernantes para tener el poder.


Lo que más me gusto es su humor, inteligente y fresco que llega hasta nuestros días y nos hace reír. A pesar de que la película tenga ya unos cuantos años la situación que plantea se da hoy, se puede trasladar a la actualidad. Esto creo que es un síntoma de los grandes clásicos: aquellas películas cuando las ves no te preguntas cuantos años tienen porque siguen vivas y enganchan, tratan temas que no pasan de moda. Además en el film el director se acuerda de los clásicos gags del cine mudo: en una escena de persecución utiliza la cámara rápida, los coches de policía se mueven de un lado a otro incluso chocando. Nos remite a las películas de Sennet o Keaton.

Por último decir que el reparto es ejemplar, sobretodo los dos protagonistas: Jack Lemmon y Walter Matthau; el guión y los diálogos acojonantes, en definitiva una película digna de cualquier colección. Necesaria de ver.

Intocable

"Intocable"(2012) escrita y dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano

Desde hace mucho llevaba oyendo buenísimas críticas sobre la película, y tenía muchas ganas de verla. Por fin, y tras varias semanas en cartelera la ví...lo primero que pensé cuando los títulos finales hicieron presencia fue: "por películas como esta me gustaría hacer cine". La verdad que podría decir que se encuentra entre mis películas favoritas.

Una vez que llegué a casa me pregunté por el director y resultó que eran dos, Olivier Nakache y Eric Toledano. Ambos llevan trabajando juntos desde 1999 cuando estrenaron un cortometraje de 22 minutos titulado "Les petits souliers". Años después realizaron otro corto y siguieron trabajando juntos hasta completar tres largos antes que Intocable. Desconozco las críticas de sus obras anteriores pero sin duda alguna esta última se situará entre las mejores. Ha tenido una crítica excelente y ha cautivado a todos aquellos que la han visto. En España (los datos aún no están cerrados) a lo largo de 9 semanas se calcula que ha recaudado alrededor de 14,35 millones de euros. A esa cifra hay que sumarle el taquillazo conseguido en Francia de unos 115 millones, manteniéndose como número uno durante diez semanas consecutivas en taquilla...como dato orientativo la película contó con un presupuesto de 9.500.000€...Esto nos hacen ver que en Francia defienden por encima de todo su cine, el producto nacional. No hay tantos estereotipos y trabas para que el público no vea las películas nacionales, los espectadores están concienciados de que hacen buen cine...todo lo contrario que en España.

Hablando del guión, me parece muy bueno, se basa en hechos reales. Los directores/guionistas nos hacen ver que para emocionar no hace falta una historia muy rebuscada, simplemente un relato sencillo y bien llevado. El tema es delicado, lo llevan a la comedia pero con tacto y mucho mimo,se podría decir que hay que sonreirle a los problemas.


La pareja de personajes es apasionante: Omar Sy lleva el peso de la acción. Empatizamos con el fácilmente y nos saca una sonrisa. El actor ya había participado en proyectos de los directores con anterioridad. Por otro lado Francois Cluzet interpreta un gran papel, se convierte en un verdadero héroe de la superación y del reírse de sí mismo. No había trabajado nunca con Olivier Nakache y Eric Toledano, sin embargo ha hecho gran cantidad de películas con Claude Chabrol, un mítico de la Nouvelle Vague. Ambos personajes crean una fusión entre lo culto y lo popular, lo serio y lo gracioso, lo joven y lo maduro...una combinación espectacular.

Para terminar mencionar que cuenta con una banda sonora de piano que pone los bellos de punta. En cuanto a secuencias me quedo con la del final: el guión se cierra a la perfección, es la guinda que remata el pastel.

Como dato curioso decir que Intocable se ha convertido en la película de habla no inglesa más taquillera hasta el momento, superando a otras (de mis favoritas) como Amelie y La vida es bella.

Como conclusión: la película es el reflejo de que en Europa se hace un gran cine capaz de competir con el americano. También ha llegado el momento de tomar ejemplo del cine francés: defendamos nuestro cine, si no lo hacemos nosotros ¿ quién lo hará?

La voz dormida

"La voz dormida" (2011) dirigida por Benito Zambrano

Hace tiempo que vi este film y  me volví a preguntar: ¿por qué ganó el Goya a mejor película "No habrá paz para los malvados"? La obra de Benito Zambrano supera con creces, al igual que La piel que habito, el film de Urbizu. Es una buena película que le debe mucho a la obra de la que parte, que lleva el mismo título, escrita por Dulce Chacón. Es entonces cuando pienso que los Goya de este año fueron una farsa, y espero en un tiempo escribir un post sobre ello.

Centrándonos en la película lo primero que me llamó la atención es la fotografía, la composición de los planos y el posterior etalonaje le dan un tono especial, de tristeza y decadencia. Los colores son principalmente fríos, grises y azules que nos hacen introducirnos más en la atmósfera dramática del momento en el que se desarrolla la historia. Además de la fotografía hay dos cosas que también me gustaron particularmente: en primer lugar hay que hablar del guión. La adaptación de la obra de Dulce Chacón ( que no he leído) la llevan a cabo el propio director y el guionista Ignacio del Moral. Es una gran obra que nuestra la realidad de tiempos pasados, que no hace tanto que sucedieron. Historias anónimas de personas valientes, verdaderos héroes que perecieron acusados de hechos absurdos. Además el director a través del montaje juega con el espectador, combina elementos de tensión y suspense para mantenernos en vilo. La vedad que es una película que engancha, desde la primera secuencia (espeluznante) hace que no nos despeguemos de la pantalla hasta el final, que puede incluso llegar a saltarnos las lágrimas.

Otro aspecto clave del film es el casting previo para la elección de actores. Benito Zambrano ha sabido sacar partido a dos actrices revelaciones que hacen un papelón, que llevan el peso de toda la historia: Inma Cuesta y María León. Protagonizan a dos hermanas cordobesas que se encuentran separadas por los barrotes de la prisión. Las dos bordan el papel, se lo comen. Muestran la fuerza necesaria en esos momentos para poder soportar la situación. Inma Cuesta se mantiene dura y fría en todo momento, apenas derrama una lágrima durante el desarrollo del film. María León muestra la ingenuidad de una persona que se enfrenta a la vida, aprende a ser una persona fuerte durante el desarrollo de la historia.

En definitiva es una buena película que no tuvo grandes merecimientos en los últimos Goya, pero que nos hace ver que el cine español cuenta con grandes directores y que cada vez se hace mejor cine.

La colmena

"La colmena" (1982) dirigida por Mario Camus

Me da mucho coraje aquella gente que se atreve a decir que el cine español es una mierda...esa afirmación nos hace ver los grandes estereotipos que constriñen nuestro cine actualmente. Vale, es cierto que el cine español a simple vista parece un cine comercial, pero ¿acaso no tenemos grandísimos directores reconocidos a nivel internacional que no hacen buenas películas? desde mi punto de vista quien dice que el cine español no vale nada se equivoca, y es cuando me pregunto ¿qué películas has visto de cine español? ¿ que directores conoces?...seguro que me dirán: siempre sale alguna teta o se dicen palabrotas...total es una mierda....nunca llegaré a entenderlo...el cine español puede presumir de ser un buen cine, y de autor, que cuenta con obras maestras y buenas películas como el caso de "La colmena".

De la extensa filmografía de Mario Camus sólo he podido ver "Los santos inocentes"(1984) otra gran película. Como todos sabemos el film se basa en la obra de Camilo José Cela que recibe el mismo nombre, sin embargo el director y el guionista decidieron suprimir una serie de personajes en relación con la obra original. A pesar de todo son muchas "estrellas" las que desfilan por el cuadro que crea el director. Una obra coral que me gustó principalmente porque muestra la España en decadencia después de la guerra, un pasado que conocemos pero no lo suficiente. Otro aspecto que me sorprendió es la gran cantidad de actores del cine clásico español que tienen su hueco: José Sacristán, Luis Escobar, Fernando Fernán Gómez, Paco Rabal, Antonio Resines, Victoria Abril...entre otros. Además el propio Cela hace un pequeño cameo interpretando a un inventor de palabras.

La historia esta muy bien llevada, saltando de personaje en personaje permitiéndonos conocer como son en realidad, sus dificultades, empatizamos con ellos. También se deja ver las diferencias entre nacionales y republicanos, las falsas apariencias, la dureza de la situación del nuevo régimen...Cuenta con algo mágico que se está perdiendo y que ya no es tan común: los cafés. Me hubiese gustado poder ir alguna tarde a tomar churros viendo mesas repletas de jóvenes escritores buscando la divina inspiración.

En definitiva lo que muestra el film es que el cine de antes era diferente, contaba con estrellas consagradas por sus éxitos e interpretaciones y no por los gritos que pegan niñas de quince años cada vez que los ven en pantalla. Un cine clásico con historias nuestras, de nuestro pasado que llegan al público. Resumiend, no es una obra maestra, simplemente una buena película para aprender.

"Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero no se atrevió a preguntar"(1972) escrita y dirigida por Woody Allen

Sin duda Allen es uno de mis directores favoritos, cuenta con grandísimas obras maestras pero como todo creador tiene algún desliz...es el caso de este film, el cuarto de todos los que ha dirigido y que claramente podríamos incluir dentro de su primera etapa más cómica y alocada que va desde "Toma el dinero y corre"(1969) hasta "La última noche de Boris Grushenko (1975). El guión es una sátira de la obra con el mismo título que el film a la que Woody da su toque personal. La historia se estructura a lo largo de 7 sketches que no tienen nada que ver el uno con el otro...hay mejores y peores pero cuenta con uno, el que cierra la película concretamente, que para gusto de un servidor es...sublime..lleva por título "¿Qué sucede durante la eyaculación? y sin duda alguna es el sketch que todo el mundo recuerda. 

En este último y  al igual que lo hacían los paracaidistas de la 101 Airbone aerotransportada, los espermatozoides se preparan para intentar fecundar el óvulo. Es el capítulo en el que se luce el director, nos deja ver su humor y sus grandes diálogos. El resto de episodios son más o menos graciosos, en general no están mal. 

En definitiva eso es todo, una película con sus más y sus menos pero que nunca viene mal verla. Por último decir que cada vez tengo más ganas de ver la última película del director...esperemos que se estrene pronto.

"Se busca, Alejandro Amenábar"

Normalmente no escribo sobre noticias cinematográficas porque ya hay grandes blogs que nos informan con sumo detalle y sería perder el tiempo intentar igualarme a ellos. Sin embargo el otro día me pregunté por Amenábar, ¿dónde cojones está?¿dónde está aquel novel que ganó con 24 años 7 Goyas con Tesis? . Para uno de los directores españoles más reconocidos mundialmente que tenemos, y desaparece.

Como la mayoría de gente sabrá su última película fue Ágora en 2009, desde entonces no se ha oído el nombre del director, ni que prepare nuevo proyecto, alguna colaboración especial, algún guión o simplemente una banda sonora... Todo parece indicar que Ágora no salió como esperaba.

La película inicialmente requería un presupuesto de 70 millones de euros. Sin embargo fue capaz de reducirlo a 50. Amenábar consiguió la financiación y comenzó el proyecto. Estaba ilusionado pero el tiro casi que le salió por la culata. La película quedo en un "no está mal" según dicen (no la he visto), sin embargo en España (según informa el Ministerio de Cultura) recaudó 20.405.735,32 €. Internacionalmente obtuvo más ingresos y la suma total  llegó alrededor de 40 millones. No sé cuanto sacaría por publicidad y productos de la película, pero lo claro es que ingresos, pocos realmente.

Dada esta situación podemos pensar que el director no querrá ponerse detrás del objetivo sin tener muy muy claro el proyecto que tiene entre manos. La verdad que tiene buenas películas dentro de su corta filmografía, y espero que no tarden el llegar buenas noticias sobre su vuelta.

"El gabinete del doctor Caligari"

"El gabinete del doctor Caligari" (1920) dirigida por Robert Wiene

A mucha gente el título no les dirá nada, otros sabrán algo del film y unos pocos automáticamente recordarán alguno de los planos más significativos de esta obra pionera del expresionismo alemán. Tal y como me decía un amigo: "¿cómo eres capaz de tragarte Caligari macho?", la verdad que sí, es una película algo dura ya que actualmente puede parecer aburrida o absurda, sin embargo remontándonos a la época en la que se estrenó, fue un bombazo, además de que no está mal, es muy interesante de ver.

No quiero enrollarme hablando del expresionismo alemán ya que solo basta buscar en Google para tener toda la información que queramos pero hay que comentar ciertas cosas: la película muestra la situación que vivía Alemania en los años veinte, una Alemania destruida, en declive económico debido a los problemas de la república de Weimar. En este momento surge  el expresionismo en todas las artes de mano de creadores como Murnau, Lang y el propio Wiene en el séptimo arte. La película refleja a la perfección el antinaturalismo propio del expresionismo, no se busca la relación con la realidad, se le da mucha importancia a los elementos oníricos e interiores de los personajes ademas de contar con una arquitectura físicamente imposíble que lucha por no caerse.

"El gabiente del doctor Caligari" parte de películas anteriores como "El estudiante de Praga"(1913) y "Golem"(1914) y llega a crear su propio estilo, el "caligarismo", con gran influencia en las producciones alemanas de la UFA de años posteriores. Este estilo se define por los siguientes rasgos claramente identificables en la película: el rodaje se realiza en interiores empleando luz artificial en todo momento (incuso para simular la luz diurna), ganan mucha importancia los decorados y los fondos pintados. La película es muy teatral y se sustenta en la gesticulación de los personajes, en algunos casos exagerada. Lo más característicos es el empleo de contrastes de luces y sombras, muy propio del expresionismo que crean ambientes sombríos y tenebrosos.

Como todas las películas la obra de Wiene tiene algunas anécdotas: el celuloide fue presentado en blanco y negro pero con el tiempo el director decidió colorear los fotogramas añadiendo hasta seis diferentes para crear sensación de tensión y terror. Una gran curiosidad es que el diseño de decorados se encargó a los hombres equivocados: el diseñador de escenografía mandó por escrito al equipo que creasen unos decorados basados en las obras de Alfred Kubin, sin embargo, su mala letra hizo creer al equipo que se querían decorados cubistas.

Para resumir, nos encontramos ante una de las obras más significativas de la historia del cine que ha tenido grandes influencias en directores como Tim Burton y en géneros cinematográficos como el cine negro. Una obra recomendada a aquellos que quieren conocer, y sobre todo aprender del cine clásico y sus pioneros.

"Hable con ella"

"Hable con ella"(2002) escrita y dirigida por Pedro Almodóvar

A la gente le gusta mucho decir que el cine español es una mierda, que no se hacen películas buenas, que siempre sale alguna teta o gente haciendo el acto sexual...siempre que alguien me dice algo parecido me pregunto ¿qué películas has visto tú de cine español?, claro si has visto películas como "Mentiras y gordas" y cosas por el estilo es normal ese pensamiento. Es cierto que en su mayoría se hacen películas comerciales sin ninguna ambición, simplemente para conseguir taquilla, pero también el cine español cuenta con importantes cineastas, como es el caso de Pedro Almodóvar. "Hable con ella" es una gran obra de este maestro que muchos conocen por su nombre, pero no por sus películas.

Para empezar el guión, escrito por el propio director, fue galardonado con un Óscar en la categoría de guión original. La magia del machego impregnan las líneas que lo componen. De nuevo una obra coral con unos personajes que sufren debido al amor y que a lo largo de la trama se van encontrando. No podemos decir que haya ningún protagonista, son muchos los que desfilan por la pantalla. Además cuenta con grandes cameos como Javier Conde y Geraldine Chaplin, (la hija del famoso Charlot), entre otros. Es  curioso como el director emplea nombres metafóricos para los personajes, como el caso de Lidia la  torera (que hace referencia a la lidia del toro) y Benigno (papelón de Javier Cámara) un enfermero del hospital con buena corazón.

Otro aspecto importante y que me fascina del director es la fotografía. Cuida mucho los tipos de plano además de los colores. Si alguien me preguntase por el color favorito de Almodóvar sin lugar a dudas diría que el rojo. En la mayoría de las escenas encontramos este color, ya sea a través del mobiliario o de la indumentaria de los personajes. También le encanta el azul y los tonos pasteles que se repiten continuamente. Todo esto crea una atmósfera propia del mundo almodovariano que se completa con una banda sonora hecha a la medida. El compositor, como no podría ser otro, Alberto Iglesias, creo que el mejor compositor español hoy en día, de los fijos en la plantilla de Pedro. Es muy significativo el gusto que tiene el director por la música, en todos sus films deja hueco para una actuación musical.

Por último y como mera curiosidad Almodóvar muestra su amor por el cine mudo incorporando un pequeño corto al que titula "El amante menguante", que claramente nos remite al "Increíble hombre menguante".
Terminando, "Hable con ella" es una de esas películas que deja ver que el cine español no es siempre lo mismo, que cuenta con grandes directores que saben ganarse al público mostrando su visión personal del mundo. Además creo que Almodóvar es el mejor director español actualmente, director y guionista a la vez. Muchos me criticaran por esto, pero podríamos decir que Pedro es el Woody Allen español.


Os dejo el corto mencionado anteriormente

"Sueños de un seductor"

"Sueños de un seductor"(1972) escrita por Woody Allen, dirigida por Herbert Ross

A pesar de que el director no sea Allan Stewart Konisberg, más conocido como Woody Allen, podríamos decir sin lugar a dudas que "es una película de Woody". El guión y el montaje corren de su mano, además de ser el actor protagonista. La historia tiene todas las notas que le gustan al director: una trama en la que se ven vinculados varios personajes por líos amorosos; de nuevo Woody tiene que enamorar a las chicas, cosa que siempre le ha gustado y en una entrevista incluso reconoció haber dejado de salir en sus películas por estar mayor y no poder adaptarse al papel de ligón que conquista a la chica guapa. Sin duda la película es una joya del gran tesoro que componen las obras del director. Tiene un guión acojonante, cada día me deja más sombrado con la cantidad de cosas que es capaz de sacar de su privilegiada mente. En este caso el personaje al que da vida tiene un amigo imaginario que no es ni más ni menos que Humprey Bogart, el clásico seductor que al igual que Woody, y tal como menciona en la película "es un seductor feo y bajo". Señalar también que el film tiene un arranque increíble: abre con el principio de "Casablanca" que tendrá un papel importante durante el desarrollo de la trama hasta concluir en un final magnífico.

El film se podría considerar una comedia relacionada con temas sentimentales. Cuenta con grandes notas de humor y unos grandísimos diálogos. La verdad que Woody es, como diría mi padre "una máquina de matar de la comedia", hace un papelón que nos saca más de una carcajada. En el reparto cabe destacar la presencia de Diana Keaton, una de las ya conocidas musas de Allen. A mi parecer cuenta con una fotografía muy cuidada con planos muy interesantes. Lo que menos me ha gustado es que hayan cambiando la traducción, me gusta más el título original "Play it again Sam". En definitiva podemos decir que se trata de una obra maestra en materia de guión, otro peliculón de Allen que espero que nos sorprenda con su nueva película "A Roma con amor".

Momentazo

Delitos y fatltas

"Delitos y faltas"(1989) escrita y dirigida por Woody Allen

Otra gran película del director que cada día me gusta más. La base del film reside en el guión, muy elaborado que en cierta medida me recordó a Match point, del propio director. Sin embargo tiene vida propia, se basa en historias que se desarrollan de forma paralela para llegar a un desenlace en el que se entrelazan. De nuevo nos encontramos ante una obra coral centrada en las relaciones sentimentales. Woody se guarda un pequeño papel, además cuenta con su segunda actriz fetiche, Mia Farrow, con la que tenía una relación amorosa en ese momento.

La trama de la película es curiosa, se vuelve a ver el genio de Allen para crear historias tan singulares. Tal y como dice en una entrevista: "Tengo miedo a morir sin haber contado todas las historias que tengo en la cabeza". Además el film trata temas relacionados con la moralidad, el arrepentimiento, el sentimiento de culpa...Es curioso que muchas de las preocupaciones y dudas de los personajes son propias del director, son temas que le inquietan y los expone a modo de reflexión para que el público se pregunte por ellos.

Encontramos también las características típicas del director:
-La película abre con los típicos títulos de crédito de Allen, letras blancas sobre fondo blanco acompañado de una curiosa música. Esta juega un papel importantísimo en el film.
-Muchos plano secuencias que permite la improvisación de los actores. El director siempre ha dicho que prefiere este tipo de planos porque así los actores pueden moverse por donde les plazca (dentro de las limitaciones de cámara), porque quiere que se lo pasen bien interpretando la escena incluso cambiado palabras del diálogo original.
Como curiosidad señalar que el cierre del film es magnífico: los personajes se encuentran en una fiesta, se ponen de manifiesto las relaciones entre ellos y los problemas de cada uno. Además destacar el monólogo final a modo de reflexión del propio Allen.

En definitiva, otra gran obra de este maestro del cine. Hay que verla.

Drácula de Bram Stoker

"Drácula de Bram Stoker" (1992) dirigida por Francis Ford Coppola

Nos encontramos ante la película que se dice que mejor refleja la novela de Bram Stoker. El director se encontraba en una precaria situación económica debido a los escasos ingresos que consiguieron “El padrino III” y “Apocalipsis Now” que con el paso del tiempo se convertiría en una de sus obras más conocida. Coppola se aferró al proyecto, que era difícil, y al final obtuvo un gran resultado. En general el film está bien, es curiosa, aunque quizá convendría conocer la novela antes de verla; cuenta con imágenes y escenas impactantes y muy conocidas en la historia del cine.

Coppola le dio mucha importancia a la novela. Los actores se reunieron para leerla juntos. Una vez terminada el director preguntó a cada uno lo que añadiría al film y el guión sufrió grandes transformaciones. Además algunas notas de este fueron retocadas por la propia productora : en una de la escena en la que Keanu Reeves se encuentra con las tres novias de Drácula, el director quería que fuesen completamente desnudas, sin embargo sólo pudieron tener el pecho descubierto.

Es curioso que Anthony Hopkins y Gary Oldman interpretaron varios papeles: El primero actúa como el doctor Van Helsing, sin embargo también aparece en una de las primeras secuencias del film como sacerdote. Por otro lado Gary Oldman hace el papel de Drácula en sus dos facetas: joven y anciano; también hace del cochero que lleva a Keanu Reeves al castillo del Conde. Además Gary estuvo estudiando Rumano para imitar el acento.

Como curiosidades: en el film se define las tierras de Drácula como “una tierra más allá del bosque”, que es el significado de Transilvania. Además se dice que Gary Oldman estaba borracho en la escena en que chupa la sangre de la cuchilla de Keanu Reevs. Además Roman, el hijo de Coppola es el director de efectos especiales que van en contra de las nuevas tecnologías y los realizan en plató, a través de transparencias y maquillaje.

La película no la incluiría entre mis favoritas pero es interesante de ver. Me gustó principalmente las transiciones que emplea el director para combinar las escenas (funde el sol con el ojo de un lobo) además de los llamativos efectos visuales que distinguen la película, además de las curiosas sombras que crea el conde en su castillo, que va un segundo retardada.

En resumidas cuentas, no está mal, una película que todo cineasta debe ver

El séptimo sello

"El séptimo sello"(1957) escrita y dirigida por Ingmar Bergman

Nos encontramos sin lugar a dudas ante una de las películas más conocidas del director, una de esas que ha marcado a directores como el propio Woody Allen, la considera de sus películas favoritas, y no es de extrañar teniendo en cuenta que trata la angustia vital, el tema de la muerte y el sentido de la vida. Una obra totalmente de autor que a pesar de ser paranoica y filosófica tiene algo que me ha gustado.

La obra está marcada claramente por al educación que recibió el director. Su padre era pastor y recibió una formación muy estricta. En su juventud entró a formar parte del mundo del teatro, que también queda reflejado en el film. El guión corre a manos del propio director y se basa en una obra de teatro escrita por el mismo, titulada "Pintura de madera". Cuenta con planos muy significativos como el de la muerte jugando una partida de ajedrez, además la indumentaria de esta creó tendencias en filmes posteriores (imagen)

Es un film algo lento que refleja a la perfección el cine del director, un cine marcado por la psicología, la búsqueda de Dios, el sentido de la vida, el existencialismo y la metafísica. Además de la aparición de la muerte el director incorpora una pareja de personajes llamados José y María. A diferencia de la familia bíblica su hijo se llama Miguel, pero claramente nos remite a esta. Otra característica que se aprecia y que es propia del director es el mundo de los sueños y las visiones.


Como curiosidades podemos decir que tiene influencias del cine negro debido a los grandes contrastes de luces y sombras. También Woody Allen hizo un pequeño homenaje al director (Woody siempre se ha reconocido seguidor de Bergman, dice que lo conoció y que los dos quedaron mudos) en "La última noche de Boris Grushenko" en la que aparece la muerte del film de Bergman pero vestida de blanco.

En definitiva es una película que todo cinéfilo debería ver, es muy interesante y nos permite conocer mejor el cine de autor.

Dos cabalgan juntos

"Dos cabalgan juntos"(1961) dirigida por John Ford

La verdad que no es de las mejores películas del director, sin embargo no está nada mal verla para conocer un poco mejor su filmografía.Se trata de un Western pero con un puntito típico de Ford, que busca historias que se salgan de lo común. En parte me recuerda a "Centauros del desierto" ya que el film se estructura entorno a un viaje y una búsqueda.EL guión se basa en una obra de Will Cook.

Lo más llamativo de la película quizás sean sus dos protagonistas: Jimmy Stewart y Richard Widmark. Realizan una gran interpretación, uno juega más con la chulería mientras que el otro respeta las leyes. Son amigos enfrentados que en el fondo se quieren. El personaje de Stewart se dice que hace referencia a la personalidad del propio Ford, un personaje cínico, que hace lo que quiere sin importar lo que digan los demás.

Es curioso que Ford durante el rodaje se dio cuenta de que a la película le faltaba algo. En una ocasión le soltó a los protagonistas el siguiente reproche: “Llevo cincuenta años en este maldito negocio y ¿qué acabo haciendo?. Dirigir a un par de calvos sordos (por lo visto los protagonistas llevaban peluca). El director reconoce respecto al film: "Es la peor mierda que he hecho en veinte años"
Además el rodaje estuvo marcado por la muerte de  Ward Bond, un gran amigo de Ford. El director aceleró el rodaje en exteriores y quiso terminar cuanto antes el film para refugiarse y recordar a su  viejo amigo.

En definitiva, un film que no deja ver del todo la magia del mayor director de Westerns pero que nunca viene mal verla.

El ángel exterminador

"El ángel exterminador"(1962)  escrita por Luis Buñuel & Luis Alcoriza, dirigida por Luis Buñuel

¿Quién no ha oído nunca hablar de Luis Buñuel? Claramente la gente lo relaciona automáticamente con aquella película en la que una navaja corta un ojo, pero muy poca gente sabe que se trata de "Un perro andaluz". Este autor-cineasta, ya que no se le puede denominar simplemente director, cuenta con una importante carrera que nos ha dejado películas con influencia a lo largo de la historia del cine, como por ejemplo "El ángel exterminador"


La película está rodada en México donde el director residía. Su principal objetivo era ambientar el film en Londres o París que contaban con una burguesía más poderosa, pero no le fue posible. Sin embargo la película no pierde importancia por esto. En un principio el título del film era "Los naúfragos de la calle providencia", sin embargo el escritor José Bergamín recomendó a Buñuel que lo cambiase, y le proporcionó el título que lleva la película.

La verdad que es una película magnífica, de aquellas que sales del cine y no puedes parar de hablar de ella, que deja diferentes interpretaciones, con un final de esos que nos hacen pensar.La temática principal es el instinto de supervivencia. Es curioso que para crear una cierta confusión en los espectadores, el director montó la película mezclando escenas repetidas. Sin embargo en las versiones remasterizadas (la que he visto) este efecto no existe, ya que se quitaron las escenas repetidas pensando que eran fallos de montaje. A pesar de todo la obra es magnífica.

Fue una película adelantada a su época, causó gran impacto que se ha mantenido hasta nuestros días y ha influenciado a muchos directores. El periódico "The New York Times" la engloba dentro de las mil películas mejores de la historia del cine.

En general una película que todo aficionado al buen cine debe ver. Una obra maestra de esas que ya no se hacen.

El honor de los Prizzi

"El honor de los Prizzi"(1985) dirigida por John Huston

Nos encontramos ante una película que no se considera de las mejores del director ya que queda abrumada por otras como "El halcón maltés". Sin embargo es una película de cine negro, que trata el tema de la mafia desde otra perspectiva. Es un film relativamente moderno e interesante, nos mantiene enganchados a través de un enredo de acciones que crean un amasijo del que el protagonista tiene que salir.

Es la penúltima película de la carrera de Huston. Muchos la consideran peor por encontrarse muy mayor. A mi parecer es una buena película de gansters basada en la novela "La gloria de los Prizzi" de Richard Condon. Toma algunas referencias de películas anteriores como "El padrino" ya que se inicia con la boda de una de las hijas de la familia Prizzi. Sin embargo la película evoluciona de manera distinta hasta llegar hasta un clímax significativo.  Uno de los personajes secundarios está protagonizado por Anjelica Huston, la hija del director. Su grata interpretación le valió el Óscar a mejor actriz secundaria. El film consiguió el Globo de Oro a mejor película comedia o musical  y el círculo de críticos de New York le otorgó el mismo premio.

La película está bien para verla cualquier tarde o noche, se hace amena y rápida, nos muestra el mundo de la mafia y la importancia de la familia. Recomendable.

Días de radio

"Días de radio" (1987) escrita y dirigida por Woody Allen

Nos encontramos ante una simpatiquísima película, muy autobiográfica, creada a partir de los recuerdos del propio director. Es un film feliz y alegre que muestra la edad de oro de la radio antes de la irrupción de la televisión. A través de las historias de los diferentes personajes y el humor, Woody nos lleva por el mundo de su infancia.

Es increíble con la pasión que el director trata el tema de la radio. Tal y como señala en una entrevista: "En esa época los padres castigaban a sus hijos sin poder escuchar la radio durante una semana", "Lo mejor de estar enfermo era que podías estar escuchando la radio todo el día". La radio hacía soñar a la gente desde sus casas y  la película lo refleja a la perfección.

En cuantos a características propias del director encontramos:
Los títulos de crédito son simples letras blancas sobre fondo negro que se suceden acompañados por música. De sus películas que he visto, quitando "Bananas" todas se atienen a este modelo.
Es llamativo que al igual que en otras películas como "La última noche de Boris Grushenko" o "Toma el dinero y corre", incorpora a un niño pequeño como personaje secundario que nos remite claramente al propio Woody (pelirrojo y gafas)
Las notas de humor no pueden faltar ya sea a partir de pequeñas secuencias cómicas o a través de los propios diálogos. Una muy curiosa la dejare abajo.
Por último señalar que la primera secuencia de la película (dos ladrones entran en una casa, el teléfono suena, uno contesta, es un programa de la tele. El ladrón responde a unas preguntas y gana un gran premio) está sacada de una película española anterior que no recuerdo el título.

En definitiva, no es una joya del director, pero sí una gran película, apasionada y brillante digna de ver.

La invención de Hugo

"La invención de Hugo" (2011) dirigida por Martin Scorsese

La semana pasada y gracias al precio rebajado del cine los jueves pude ver esta última película de Scorsese. La verdad que en parte me defraudó. Al contar con tantas nominaciones, 11 en total, me esperaba una película "distinta". El film se podría dividir en dos partes: una primera mitad que dura alrededor de una hora en la que se presenta a los personajes y nos trata de introducir en la historia; se hace un poco lenta, tarda en arrancar; sin embargo la segunda parte con una duración de una hora y algo más es magnífica, muestra la pasión de Scrosese por el cine y sus orígenes.

Es cierto que no ha ganado premios importantes, pero era difícil luchar con una obra como "The Artist". Tiene muy merecido el premio de la academia a mejor fotografía, visualmente es acojonante, tiene unos planos muy bonitos. Destacar el arranque de la película que cuenta con unos travellings increíbles. La banda sonora también es significativa y nos transmite el ambiente de magia y amor en el que se desenvuelve la película.

Es un film de esos que ves y, si no te dicen que es des Scorsese, no llegarías a atribuirla al director,¿quizás sea porque se ha mantenido fiel a la novela de Brian Selznick,?. No es un film "marca de la casa Scorsese" ya que no presenta una temática propia del cine negro, con personajes trastornados o con algún problema; es una película de corte familiar, mágica, que juega con la ilusión...a pesar de ello no deja de sorprendernos.

Encontramos diversas curiosidades: cuando vi la película no me di cuenta, pero al parecer el propio director hace un pequeño cameo como fotógrafo durante una de las escenas de los inicios de Melíès.
También es llamativo que su segundo actor fetiche, di Caprio (después de Harvey Keitel ) no tiene papel en la obra después de doce años trabajando con el director.
-Encontramos un proceso de intertextualidad, en forma de "cita" cuando Hugo va al cine y ve un fragmento de la película "El hombre mosca" 
-Christopher Lee es la primera vez que trabaja con el director e interpreta al propio Meliès.
- Por último decir que trás dieciocho años, Scrosese estrena una película apta para todos los públicos.

En definitiva podemos decir que se trata de una película distinta al estilo del director, que quizá nos aburra durante su primera hora pero que luego nos sorprende una y otra vez, nos mantiene pegados al asiento mostrándonos los inicios del cine y la defensa de aquellos pioneros que con sus películas consiguieron que el cine se convirtiese en una fábrica de sueños.

La verdad

Os traigo un vídeo que me acaba de mostrar mi amigo Guillermo Horcajo. Se trata del discurso final un de la película "El gran dictador" de Charles Chaplin combinado con una serie de imágenes del mundo actual y otras de películas en las que se puede identificar "La chaqueta metálica" y "La naranja mecánica" de Kubrick. La narración en off de Chaplin se funde con  música e de imágenes creando un grandísimo efecto que nos deja ver como somos hoy en día, en que nos hemos convertido y hacia donde va el planeta. 

Muy bueno

Malas calles

"Malas calles" (1973) escrita por Martin Scorsese & Mardik Martin, dirigida por Martin Scorsese

El chico asmático que se quedaba en casa sin salir, que vivía mirando por lo ventana lo que ocurría en Little Italy y después de haber acabado su formación como estudiante de cine, consigue realizar su ópera prima con un escaso presupuesto.Nos encontramos ante una película que denota un carácter amateur pero que  nos fascina ya que muestra el talento del director, su ambición por hacerse un hueco en el mundo del celuloide a través de películas de cine negro (en su mayoría) en la que narra historias de personajes problemáticos e incomprendidos con muchas notas autobiográficas.

La película esta bien para ser la primera, es interesante de ver para analizar si el estilo del director se ha mantenido con el paso del tiempo, para conocer sus orígenes. Como protagonistas cuenta con Harvey Keitel y Robert de Niro; este último es el primer actor fetiche de Scorsese, protagonizó muchas de sus películas; con el paso del tiempo encontrará otro socio en la figura de Leonardo di Caprio. Es muy curioso que fue Brian de Palma quién aconsejó a Scorsese para que le diese el papel a de Niro. Otra curiosidad es que el montaje final de la película no gustó mucho a Brian, que recomendó que se acortase.

Formalmente lo que más me llamo la atención es el continuo movimiento de cámara. Scorsese emplea mucho el travelling, ya sea para seguir la acción, reencuadrar personajes, dar enfásis etc...apenas hay planos fijos. Respecto a fotografía, no está mal teniendo en cuenta con el presupuesto con el que contaba.
Señalara que la obra cuenta con características muy propias del director: personajes marginados que viven en clandestinidad por temas de negocios sucios, seres atormentados, ambientes degradantes, el mundo de las mafias...Otros aspectos claves son los guiños que hace al cine de sus antecesores. Los protagonistas van en tres ocasiones al cine a refugiarse, esto se podría relacionar con la infancia del director que solía ir mucho  para evadirse del mundo exterior. Una de las películas que los protagonistas ven es: "Centauros del desierto" de John Ford. Por tanto nos encontramos ante un proceso de intertextualidad, más concretamente de lo denominado "cita" (poner un fragmento tal cual de una película dentro de otra)

En definitiva, un preámbulo de lo que sería el cine de Scorsese. Una película interesante de ver.